Om Debangona Paul

Debangona Paul er utdannet ved Kunsthøgskolen i Oslo og  Visva-Bharati i India. Hun har hatt gruppeutstillinger i Galeriaasp i Krakow, hos Norsk Grafikere, Trafi Kunsthall og QSPA Gallery og Nandan Art Gallery i Kalabhavana, India. 

Debangona Paul har hatt soloutstillinger i Galleri Seilduken og Kunsthøgskolen I Oslo. Hun har fått prosjektstøtte fra Norske Grafikeres og Ann Margret Lindell 2022, Sverige og stipend fra Kulturrådet. Hun fikk Assam State Award ab Praful-la Dahanukar Art Foundation.

Kunstnerens egenomtale av utstillingen

(Scroll for English) 

Min kunstneriske praksis er dypt forankret i utforskningen av fysiske og emosjonelle erfaringer gjennom tresnitt og tegning. Jeg undersøker skjæringspunktet mellom identitet, minner og motstandskraft – særlig sett fra perspektivet til kvinner fra marginaliserte samfunn. Gjennom store tresnitt og tekstilbaserte installasjoner skaper jeg visuelle fortellinger som gjenspeiler utfordringene med å bli hørt, det å drømme utover samfunnets begrensninger, og det å navigere i tilhørighetens kompleksitet.

Skyggene jeg bærer inni meg er en utstilling som bringer disse temaene til live. Den presenterer seks tresnitt i full størrelse, trykket på saritekstiler. Verkene reflekterer både min personlige og kunstneriske reise, og dokumenterer erfaringen med å overvinne sosiale barrierer og gjenvinne rom gjennom kunsten. Hvert trykk representerer en følelse, en bevegelse eller et personlig minne, og symboliserer årets seks årstider – Grišma (sommer), Barṣā (monsun), Šarat (høst), Hemanta (tørrsesong), Šīt (vinter) og Basanta (vår) – og den sykliske naturen ved kamp, utholdenhet og forvandling.

Valget av sari som medium er dypt symbolsk. Sari spiller en viktig rolle i min bengalske arv. Spesielt har den hvite sarien med rød kant en sterk kulturell betydning – den representerer femininitet, tradisjon og kontinuitet. Den forbindes ofte med unge kvinner i 20- og 30-årene og brukes i mange rituelle sammenhenger. Vi legger sarien på bakken når en nygift brud trer inn i sitt nye hjem og etterlater sine fotavtrykk på tekstilet; vi bruker den til å tørke avlinger i sollyset på verandaen; vi gir den som offergave til kvinnelige guddommer under ritualer; vaskere legger den ut i solen for å tørke; og vi dekker til kvinnekroppen med sarien når hun har gått bort, som en siste avskjed til henne og hennes liv.

Denne hvite sarien med rød kant har hatt en dyp påvirkning på min oppvekst og daglige ritualer. Den speiler ideen om hverdagslivets konstante endring og utvikling gjennom ulike livsfaser.

Målet er å invitere publikum inn i en oppslukende, åpen installasjon hvor man kan vandre gjennom mine erfaringer og engasjere seg i de lagdelte historiene som finnes i verkene. Serien består av store tresnitt i svart-hvitt, trykket direkte på sarier – tradisjonelle plagg som har sterk personlig og kulturell betydning for meg.

Gjennom denne installasjonen ønsker jeg å skape et felles rom for utveksling av tanker, minner og kulturelle ritualer. Besøkende inviteres til å sitte, stå, gå og reflektere – til å engasjere seg ikke bare med kunsten, men også med det emosjonelle og kulturelle landskapet den representerer. Utstillingen bygger videre på disse ideene og oversetter personlige og kollektive fortellinger til visuell historiefortelling i stor skala.

William Noroian Rodrick spiiller på åpningen

William Noroian Rodrick er en armensk-amerikansk musiker som spiller flere strengeinstrumenter, for tiden med hovedfokus på oud som er et gammelt, tradisjonelt strengeinstrument som stammer fra Midtøsten og Nord-Afrika. Det regnes som en forløper til den europeiske lutt og moderne gitar. 

Rodrick har lang erfaring innen en rekke musikalske sjangre. Han har bodd i Norge i over 20 år.

About Debangona Paul

Debangona Paul was educated at the Oslo National Academy of the Arts and Visva-Bharati in India. She has participated in group exhibitions at Galeriaasp in Krakow, Norsk Grafikere, Trafo Kunsthall, QSPA Gallery, and Nandan Art Gallery at Kalabhavana, India.

Debangona Paul has held solo exhibitions at Galleri Seilduken and the Oslo National Academy of the Arts. She has received project support from Norske Grafikere and the Ann Margret Lindell grant in 2022, Sweden, as well as a grant from the Norwegian Arts Council. 

She was awarded the Assam State Award by the Prafulla Dahanukar Art Foundation.

The Shadows I Carry

By Debangona Paul

My artistic practice is deeply rooted in exploring physical and emotional experiences through printmaking and drawing. I examine the intersection of identity, memory, and resilience—particularly from the perspective of women from marginalized communities. Through large-scale woodcut prints and textile-based installations, I create visual narratives that reflect the challenges of having one's voice heard, dreaming beyond societal limitations, and navigating the complexities of belonging.

The Shadows I Carry Within is an exhibition that brings these themes to life, presenting six life-size woodcut prints printed on saree textiles. The works reflect both my personal and artistic journey, documenting the experience of overcoming social barriers and reclaiming space through art. Each print represents a different emotion, movement, or personal memory, symbolizing the six seasons of the year—Grišma (summer), Barṣā (monsoon), Šarat (autumn), Hemanta (dry season), Šīt (winter), and Basanta (spring)—and the cyclical nature of struggle, perseverance, and transformation.

The choice of sarees as a medium is deeply symbolic. The saree plays a significant role in my Bengali heritage. In particular, the white saree with a red border holds cultural significance, representing femininity, heritage, and continuity. It is commonly associated with women in their 20s to 30s and is used in many ritualistic practices. We lay the saree on the ground when a newlywed bride enters her new home, marking her footprints on the textile; we use it to dry crops on the veranda under the sun; we offer it to female deities during rituals as an act of gratitude; a community of washers spreads it out to dry in the sunlight; and we use it to cover a woman's body at the end of her life, bidding farewell as she leaves behind her husband.

This white saree with a red border has had a profound impact on my upbringing and daily rituals. It reflects the idea of everyday life as something continuously shifting and transforming through various stages of growth.

The idea is to invite viewers into an immersive, open-space installation where they can walk through my experiences and engage with the layered stories embedded in the work. The series features large-scale black-and-white woodcuts, printed directly onto sarees—traditional garments that carry deep personal and cultural meaning for me.

Through this installation, I aim to create a shared space for exchanging thoughts, memories, and cultural rituals. Visitors are invited to sit, stand, walk, and reflect—to engage not just with the art, but with the emotional and cultural landscape it represents. This exhibition expands on these ideas, translating personal and collective narratives into large-scale visual storytelling.